MELTING MAN

ENTRADA VACACIONAL (Parte 2: 7 Películas)

Y aquí estoy de nuevo para ofreceros la segunda parte, y la última, de esa loca y desquiciada semana de cine que he vivido en un pequeño apartamento rodeado de niños, mañanas de playa, tardes de piscina y lloros y noches de cine, mucho cine. Aquí van las 7 más destacadas de esta segunda tanda de películas. Por cierto, me he ahorrado algunas como Sabotage, a la que le pongo un merecidísimo 7, por haberla puesto ya con anterioridad, y otras como Divergente, a la que no estube muy atento, La Torre del Infierno, que se me hizo interminable, o las dos de Death Note que ya las había visto.

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Lo tengo que decir, a The Raid 2 le sobra minutaje y trama y por un tubo. Entre los líos que se meten con los personajes, la excesiva duración de la cinta y lo peñazos, insufribles y poco entendibles diálogos de los que goza la película, que son sumamente excesivos, esto es el batacazo del año. Después de una impecable primera parte, la cosa era muy sencilla, pon al protagonista en una prisión, la verdad que la cosa no empieza mal, monta un motín y haz que la policía tenga que entrar en la prisión para someter el motín mientras el protagonista está desde dentro inflitrado entre los presos intentando dar con el líder del motín. Joder era muy fácil, pues nada, el serñor Evans ha decidido convertirse en el dramaturgo del año desrozando su propia saga estrepitosamente. Me quedo con el relato de VHS 2 como su cima creativa más afín a mis gustos. Que desilusión, ni tan siquiera las peleas, que me gustan mucho más las de la primera, la savan de la quema.

Puntuación: 4

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Y del Gareth Evans de The Raid nos vamos al Gareth Edwards de Mosnters, o bien podríamos decir del peñazo de Gareth al peñazo de Gareth y no tiro más porqué paso de que me toque otra mierda de proporciones epicas tan grande como cualquiera de las dos. Lo siento, soy radifán al extremo de la nueva de Godzilla, para nada el Edwards de Monstres parece el Edwards de Godzilla, pero lo de Mosnters es que no tiene nombre. Una peli de monstruos en la que no salen monstruos y aprovechan para narranarnos, en formato emo-indie, la historia de amor de dos personajes tan inócuos como insulos en la historia, representados por dos de los actores más horribles que han visto mis experimentados ojos. No voy a decir más que esto es una pérdida de tiempo absolutamente inútil y que de lo que más me arrepiento no es de haberla visto, sino de que mi colega Alex la tenido que verla por segunda vez solamente por mi. Lo siento bro, espero que no tengas que volver a hacer un sacrificio de este calibre por mi en la vida. Como veis, no he puesto ni los enlaces, no se lo merece y paso de que la gente me busque para pegarme. 

Puntuación: 1

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Otra en la que tenía mucha confianza y se convirtió también un chasco, junto con The Raid fueron las mayores decepciones de la semana por ser de las más esperadas para visionar, ha sido Sharknado 2. No estoy seguro si es por la pérdida del efecto sorpresa, eso ya puede jugar en su contra, por lo pobre de las escenas de acción, tiene alguna que otra epicada hacia el final (surf, pistolas, sierra mecánica, mano amputada), pero demasiado concentradas en los últimos 15 minutos, o simplemente por ese concepto de serie Z que acaba reventado en sus propias narices creando una nueva dimensión mierdosa de las calificaciones para películas de este estilo, pero por momentos me aburrí como una ostra. Le pongo un 4 por esas 4 epicadas que comentaba antes y porqué Steve de Beverly Hills 90210 Sensación de Vivir vuelve a salirse, pero que la peli no llega ni a la suela de los zapatos a su predecesora.

Puntuación: 4

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Producida, entre otros, por el siempre sobresaliente Christopher Nolan, el debutante Wally Pfister consigue rubricar una de esas sci-fies finas prácticamente perfectas, de las que a mi me gustan y como a mi me gustan. Y digo prácticamente, porque tiene una rotunda patinada hacia el final que no se la perdono. Pero aún y con esa patinada, he de admitir que la historia sobre el docotr Will Caster y su concepción de la inteligencia artificial, de la cual acaba siendo parte él mismo, es del todo atractiva de la misma manera que lo es la ambientación y la dirección de la película, todo acompaña de manera magistral. Como digo muy fina tanto en concepto, como en ejecución y en estética. De lo más agradecido del film es poder ver a un Johnny Depp contenido, sin sobreactuar, podríamos decir que Depp ha sabido domar su personaje a la perfección haciéndonos dudar hasta el final de si es el hombre o la máquina a quien interpreta.

Puntuación: 8

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Ver a James McAvoy (Profesor Xavier) en la piel de Bruce, un policia corrupto, racista, homófobo, alcohólico y drogadicto, al que se la suda todo y todos, es una experiencia que no se olvida fácilmente. Pero si a esto le añadimos la absolutamente excesiva dirección de Jon S. Baird, lo que obtenemos es una película que, sirviéndose de un estilo tarantinesco, tanto en los diálogos como en la composición de los personajes, y llegando prácticamente al delirio inexplicable en su parte final, es una rara avis no apta para todos los estómagos, pero que vista desde el gamberrrismo más extremo y con una amplia apertura de miras, es de lo más divertido, irreverente y políticamente incorrecto que he visto en los últim años.

Puntuación: 6

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Soy muy fan de Terry Gilliam, incluso disfruté mucho de su Parnassus, pero he de admitir que con The Zero Theorem me he quedado, como bien anuncia su título, con cero teorías válidas para defenderla. Exceptuando las actuaciones, que dentro de lo extravangantes e indescifrables que son sobresalen exponencialmente dentro del galimatías críptico de Gilliam, y la cuidadísima estética del film, la película no hay por donde cogerla y, en cambio, mucho donde poder divagar sobre su significado. Supongo que algunos le encontrarán explicación a la película, su propia lectura, única y personal, en la que puede, incluso, que otros coincidan, pero señóres, admitámoslo, esto solamente lo entiende Gilliam si es que lo entiende alguien. Otro de esos peñazos monumentales y otra decepción más a añadir a la lista de la semana. La nota es simplemente alusoria a la riqueza visual y al vestuario de la película.

Puntuación: 3

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Otra a la que le tenía ganas, sobretodo por estar presentada por la Lionsgate, protagonizada por un siempre soberbio Robert Redford y contar un guión de lo más atractivo, se acabó convirtiendo en una pesadilla interminable. De la misma manera que el protagonista sufre todas las desgracias habidas y por haber sin inmutarse prácticamente en ningún momento, al que la visiona le pasa lo mismo, van pasándole cosas al protagonista sin que nada te importe demasiado deseando que en cualquier momento se ahogue, se lo zampe un tiburón o le pille una tormenta tan bestia que lo engulla para siempre. No se aguanta ni con Redford a la cabeza.

Puntuación: 2

ENTRADA VACACIONAL (Parte 1: 6 películas)

De la misma manera que hice la semana pasada en las Píldoras Musicales, una entrada especial de vacaciones con 5 discos para descargar, y después de esa semana, hoy toca hacer lo propio en el Melting Man. Esta entrada en concreto estará formada por las pelis que he ido viendo durante la pasada semana. Estamos hablando de prácticamente 3 pelis por día, una al mediodía y dos por la noche, sobredosis de cine extrema en la que hemos tenido de todo, zombies nazis, piojoperros, hormigas superdotadas, polis racistas, cemento, mangas coloradas, hostias como panes, monstruos inexistentes, tiburones voladores, inteligencia artificial, mucho cerdor, paranoias existenciales, containers flotantes traicioneros, y alguna que otra sopresa más. Ahí va el resumen de una de las semanas de cine más locas que he vivido en toda mi vida, gracias Alex por prestarte a tan osado experimento, jajaja.

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Primera peli que vimos y, visto lo visto, sin duda la mejor que visionamos en toda la semana con mucha diferencia. El noruego Tommy Wirkola vuelve a dar la campanada, una de las más grandes del año, en el cine de género con su absolutamente desternillante, divertida, refrescante y brutal Dead Snow 2. La continuación de los Zombies Nazis de Wirkola retoma la acción justo en el momento en el que finaliza su predecesora y coge al único superviviente de la primera cinta como protagonista indiscutible de esta segunda entrega. No voy a adelantar nada, pero Wirkola ha sabido encaminar muy bien esta segunta entrega de la saga para que resulte de lo más atractiva e inspiradora, tanto para el género como para el seguidor del mismo, desde el minuto cero hasta el final con un principio demoledor, un desarrollo con un ritmo frenético y un clímax final de lo más logrado. Espero, por supuesto, una tercera entrega. Abosultamente superior en todos los sentidos a su predecesora esto es la cita imperdible del género de este 2014. Obra maestra indiscutible y nueva cumbre del género zombie en su carácter de comedia.

Puntación: 9

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Esto es una de las mejores ideas, no precisamente por su originalidad pero sí por su manera de plantearlo,  peor ejecutadas que he visto en mi vida en una pantalla. Con claros ecos de La Cosa de Carpenter, Blood Glacier es un quiero y no puedo en el que ni los actores, ni la dirección, ni el presupuesto, sirven de ayuda, más bien de obstáculo, para disfrutar de una sci-fi con tintes terroríficos que se convierte, a marchas forzadas y a medida que te vas dando cuenta de lo ridículo e infumable que es todo, en una forzada e imprevisible comedia en la que todo roza el ridículo más absurdo. Aburrida y pesada como pocas su puntuación es un generoso 3 gracias a las risas que consiguió arrancarnos y al recuerdo de bichos tan impensables como el piojoperro o la calacabra. Un churro de proporciones épicas.

Puntuación: 3

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Por coincidencias de la vida, he sabido de esta película por doble partida en cuestión de un par de días. Primero la descubrí en un libro de Taschen sobre el cine de terror en el que la destacaban como una de las películas más desconocidas y más a tener en cuenta del género facurada en los 70, y acto seguido me la recomienda Xavi Sánchez, de quien me suelo fíar, diciéndome que le ha encantado y comentándome que es una película muy peculiar dirigida por Saul Bass, uno de los genios más importantes del story-board. Esto es uno de los bodrios más insufribles y disparatados que he visto en mi vida. No niego que las escenas de las hormigas tienen un curro excelso, pero la película es un tostón de padre y muy señor mío. No voy a gastar más tiempo en cargármela porque creo que no merece ni la pena. Le pongo esa puntuación por el curro que he comentado con las hormigas, si no es por eso se lleva un 0 como el culo de la Mairena de grande.

Puntuación: 2

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Aquí ya no puedo hablar mal, después de dos cagadas monumentales con Blood Glacier y Phase IV, llegaba el momento de resarcirse con los siempre efectivos David Ayer, quien escribe la historia, y Kurt Rusell, quien se pone en la piel de un curtido y corrupto policia de la ciudad de Los Angeles. Esto es un típico thriller policial callejero en el que un novato es introducido en uno de los círculos de poder de la ciudad, compuesto por altos cargos de la policía, en el que las lineas del bien y del mal son doblegadas y trazadas para su propio beneficio. Con un poso de alegato en contra del racismo en su desarrollo, la historia trata sobre como un hombre criado por una familia de polis corruptos desde que empezó su estirpe, llega a cuestionarse a si mismo y a sus métodos en el momento crucial de subir en el escalafón. Kurt Rusell magistral, como siempre.

Puntuación: 6

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Película de la que no tenía constacia ninguna y que, por varias razones, fue una de las sorpresas más agradables de la semana. Primeramente porque en el momento de ponerla creía que iba a asistir a uno de esos thrillers de acción adrenalínicos tan propicios para el señor Hardy, totalmente equivocado, aquí estamos ante un drama profundo en el que un hombre tiene que perder su cómoda e idílica vida familiar y laboral para asumir una responsabilidad del pasado que se le presenta en el momento más inoportuno de su vida actual. Y segundo porque sirve como el vehículo perfecto para Hardy demostrando sus grandes dotes como actor y callando las bocas de los que vociferan lo poco profesional que es. Solamente sale él en un coche toda la peli, sorpendiendo el dinamismo con el que está rodada y ayudada en gran medida por esas llamadas teleónicas, podría representarse perfectamente en un teatro sin que ello tuviera ninguna consecuencia en su impacto. Una cosa si tengo que decir, no compro el final, pero el resto me parece magsitral.

Puntuación: 7

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Otra de las grandes sorpresas de la semana vino representada por el espíritu del gran jefe indio Mangas Coloradas y la historia de una pobre desdichada que acaba en las zarpas de una desquiciada familia de hermanos que la violan, la humillan y la asesinan. Dándola por muerta un viejo indio de la zona la intenta curar pero en el transcurso, ella muere siendo poseída por el espíritu del gran jefe indio decidido a darle matarile a toda la familia de los descendientes de sus asesinos que, casualmente, es la misma que ha asesinado a la chica. Muertes imaginativas, suficientes escenas gore, su falta de pretensiones y una heroína que solamente pasa como tal por tener el espíritu de Mangas Coloradas dentro, hacen de ella una perla que podría recordar a un capítulo de Creepshow largo.

Puntuación: 7

A la vuelta de la semana sigo con la entrada y os pongo la segunda parte.

SABOTAGE (2014) David Ayer

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David Ayer es uno de los street-directors de moda. Después de escribir la impresionante Training Day, la cual funciona a las mil maravillas, además de por Ayer, por Fuqua, Washington, las localizaciones y los secundarios, la cosa empezó a escalarse con películas muy de la calle, y del barrio, como Vidas al Límite, Los Dueños de la Calle o la muy superior Sin Tregua, películas exponencialmente dramáticas y de tintes realistas dedicadas a las típicas y tópicas rencillas poli-maleante, o simplemente entre bandas, explicadas con la agilidad y el ritmo de Ayer, las compro todas, sí.

Pero parece que Ayer ha dejado de tomarse en serio a si mismo con esta Sabotage, dato que no supone nada malo de entrada, sobretodo para los que se quejan de que estamos ante un director demasiado sobrevalorado e incluso hacedor de un cine demasiado pretencioso. En Sabotage se quita las ínfulas de encima y factura uno de esos full-action-packed que nos remite al cine de videoclub de los 90 sin ningún tipo de complejo.

Varios son los factores que convierten a Sabotage en una película de acción como las de antes. En este caso contamos con tito Arnold (dato muy a tener en cuenta) como cabeza de un equipo anti-droga formado por algunos de los policias más indeseables e inestables del cuerpo, entre los que nos encontramos con James Holloway, Joe Manganiello o Sam Worthington como machos cabríos del lugar, cubos de sangre a raudales, esa violencia gratuita tan escasa en las producciones actuales, una atmósfera sucia, decadente y cada vez más opresiva, un anti héroe marcado a fuego por su fatídico pasado, todo un despliegue de piruetas varias en el guión, y, sobretodo, un espíritu verbenero y de despiporre, con final al estilo redentor de Peckinpah, que la hace de lo más fantástica y disfrutable.

Sin con todos estos detalles todavía no te convence verla, no lo hagas, te decepcionará, pero para todo aquel que haya disfrutado de las descerebradas producciones de acción de los 90, dedicas por si mismas a la ultra-violencia, ésta es vuestra mejor opción si hablamos de cine de acción y mínimamente comercial.

MÁLMHAUS a.k.a. METALHEAD (2013) Ragnar Bragason

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Me la perdí en el Festival de Cine de Autor de Barcelona y ha sido encontrármela por la red, descargarla y verla del tirón. Lo admito, mi curiosidad era tal por la película de Bragason, que era, para mi, la más esperada del año. Lleva ya tiempo circulando por los festivales independientes y generando comentarios muy positivos allá por donde pasa. Con unas crítcas tan buenas, una temática tan ideal en mi caso, y la enorme ansiedad por verla que me ha generado, tenía todos los números para convertirse en mi película favorita del año, veamos porqué no lo es.

Después de que la pequeña y dulce Hera sufra una contundente desgracia familiar, su vida se tiñe de negro, nunca mejor dicho, y su preadolescencia y su juventud se convierten en un infierno en el que su único aliado y su único refugio es la música. En su caso concreto, el heavy metal de Black Sabbath, Judas Priest, Megadeth, Metallica, Maiden y demás dioses del metal. Viviendo en una granja, apartada de la ciudad e influenciada únicamente por el sentimiento musical que produce el heavy metal en la adolescencia, rebeldía, incomprensión, odio, y rabia, llegan los años del black metal y la identidad de Hera se ve confirmada por una forma musical que puede expresar todo el odio y el rencor que guarda dentro y que, únicamente a través de la música, puede purgarse. Purgarse hasta tal punto de llevar a sus mayores a su terreno a través de su propia liberación musical.

Todo en ella está muy cuidado, hay escenas que las tendré grabadas a fuego para siempre en la memoria con el momento Cementerio-Hera-Guitarra-Ampli, la iluminación natural, los parajes tan propicios de la zona, una fotografía simplemente preciosa y unos actores jodidamente buenos (desde ya, le declaro amor eterno a Thora Bjorg Helga, su protagonista), la película es tan realista que casi puedes sentir el frío cerrando los poros de tu piel. Su banda sonora, que incluye temas de Megadeth, Judas, y otros, es una verdera delicia, y tiene varios guiños a la escena, como la demo al más puro esilo one-woman-band que graba Hera en una de las naves de ganado que tiene la granja, los nombres de los componentes de la banda que vienen a buscarla después de haber oido su demo, o ese reportaje sobre el black metal que ve Hera en la televisión, son algunas de las perlas que tiene escondidas esta brillante y, a la a vez, oscura Metalhead.

Un ejercicio extraño el de Bragason, todavía no sé muy bien si considerarla una película sobre el heavy metal, una película sobre el black metal, o (y aquí es donde más claro lo veo todo) un rural y crudo drama familiar en el que la música, en este caso el heavy metal, sirve de marco y de vehículo para explicar la visceral historia de Hera. Quizás por eso no se haya convertido en mi película favorita del año, eso no quiere decir que no esté entre las 5 mejores, que lo está, probablemente por culpa de mis expectativas sobre ella, no sabía nada de su argumento y encontrarme con un drama profundo al estilo islandés me ha dajado un tanto picueto. Yo quería ver una película hecha por un amante del black, sobre una black metalera y su evolución dentro de la música, y me he encontrado con un film muy alejado de lo que esperaba, duda que nadie sea fan del black metal en esta peli. Merece una revisión sabiendo lo que me voy a encontrar.

UNDER THE SKIN (2013) Jonathan Glazer

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El poliédrico y poco prodigado Jonathan Glazer dirige y también escribe, junto a Walter Campbell, este drama de ciencia ficción basado en la novela de Michael Faber. Ya nos sorprendió, y mucho, con aquel thriller anguloso protagonizado por Ben Kingsley, llamado Sexy Beast, y todavía nos enganchó más, no a todos, con la misteriosa Reencarnación, protagonizada por una Nicole Kidman excepcional. Pero lo de Uner The Skin ha sobrepasado todas mis perspectivas y lo coloca en el TOP 5 de los directores más interesantes de la actualidad.

Rodada con muchas sombras y puntos de luz muy concretos, todo en ella es a la par intrigante, misterioso y sórdido. La banda sonora es absolutamente magistral, la depresiva fotografía es indiscutiblemente sublime y la Johansson está tan aséptica como sobresaliente. Su personaje tiene muchos matices y el desarrollo de su personalidad a lo largo del film (autodescubrimiento) pone sobre la mesa las mejores bazas de la película, la Johansson y su interpretación dentro de un contexto totalmente desconocido por una actriz de su calibre demostrando una valía más llá de toda duda.La película está refozada por un guión tan misterioso como indescifrable, pero que sabe mantener muy bien la tensión y la intriga para darte, en su parte final, una resolución del todo sorpresiva pero para nada expliciva.

Conclusión, ¿se puede hacer una muy buena película (postulando a los mejores puestos del año) totalmente independiente (rodada en Escocia y con presupuesto de la Lotería Nacional) y protagonizada por una de las mayores estrellas de Hollywood?, sí, se puede, y además es una jodida obra maestra. Para mi muy superior a Beyond The Black Mirror que es la primera que me ha venido a la cabeza para compararla. Y me he cortado mucho en ensalzar aún más a la Johansson en su interpretación y sus curvas, que de eso hay mucho.

AVENGING FORCE (1986) Sam Firstenberg

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Lo primero que debo hacer, por obligación y por divulgación, es recomendar encarecidamente el libro de la Cannon que ha publicado Applehead Team Creaciones para cualquiera que disfrutara de las lindezas de la fructífera productora liderada por Yoram y Globus que durante los años 80 introdujo, en las mentes y en los cuerpos de muchos jóvenes de la época, la ultra violencia de Bronson, las piruetas de los Guerreros Americanos enfrentados a ninjas, las patadas voladoras de Jean Claude Van Damme, los pulsos de Stallone o las maneras fascistoides de Chuck Norris, a través de esos lugares de culto, sagrados templos de las cintas de video, llamados videoclubs. Imprescindible para cualquiera que le guste el cine y haya nacido de mediados de los 70 a principios de los 80.

La Fuerza de la Venganza es una de las películas que produjo la Cannon durante uno de sus mejores años. Un claro vehículo para el lucimiento de la gloriosa dupla formada por Michael Dudikof y Steve James, ambos vistos anteriormente en la saga del Guerrero Americano, y de la que, por desgracia, no tenía ninguna constancia.

La historia es bastante típica, pero la manera de explicarla y de exponerla está infectada por los cuatro costados por las artimañas y las desfasadas típicas de la Cannon. Como bien dice Kiko Vega, encargado de hacer la crítica de esta película en concreto en el libro, Avenging Force es una de esas películas que, a día de hoy, sería imposible de realizar. Un político negro, Steve James, amenazado por una organización ultra-derechista llamada El Pentáculo, recibe ayuda de su mejor amigo, Michael Dudikoff, para protegerlos durante un desfile. Dicha organización acaba introciéndose en el desfile y asesinando al uno de los hijos de James.

A partir de aquí la película se convierte en un festival de acción, muertes y vengazas en la que toda la familia de James acaba muerta y parte de la de Dudikoff también. Esto es un full-action-packed de manual como los que ya no existen. Con todos los ingredientes más macabros de la Cannon se pone automáticamente en mi top 5 de la desaparecida prodcutora sin dudarlo. Gracias Kiko, la recomiendo tanto como cualquiera de los tres primeros Death Wish de Bronson o los Missing In Action de Norris.

THE ANTICHRIST (1974) Alberto De Martino

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Recomendada por activa, parte del grupo en el que estoy en facebook (Exhumed Movies) y uno de sus gestores en especial (Jose) han hablado maravillas siempre de ella, y por pasiva, David García desde su último número en el Monster World hace una clara referencia a ella en su artículo especial sobre el exploit italiano de los 70, al final ha caído casi por obligación.

Me habían dicho incluso que era superior a El Exorcista, de la cual este Anticristo del 74 es un claro exploit, pero para nada. La película de Martino es un peliculón, no me entiendan mal, pero no iguala ni de lejos a la obra maestra de Friedkin, cuanto menos para mi gusto. Ni las actuaciones, ni los efectos, ni el guión igualan a una de las películas con mayor solera y que ha asustado a más generaciones desde su estreno. El Exorcista se pude seguir quedando tranquila en su intocable posición.

La historia es sencilla, pero he de admitir que me ha sorprendido bastante. Para ser un exploit del Exorcista poco se asemaja a aquella más que en el tema de la posesión y el exorcismo en cuestión. Aquí la protagonista es una mujer que va en silla de ruedas y a la que para sacarla del que le dicen no es problema físco sino mental, deciden hisnotizarla haciéndole una regresión a una de sus vidas pasadas en la que fue bruja. Con el tiempo el espíritu de la bruja va tomando posesión del de la protagonista hasta que se echa a andar y decide ponerse a matar a jóvenes locales previo paso por la piedra, a lo que la familia responde preparándole un exorcismo de lo más variopinto.

Buen film de exorcismos y, si consigues meterte en el enfermizo ambiente de la peli, la prota sabe gestionar su difícil papel a las mil maravillas, hay escenas que se quedarán grabdas para siempre en tu memoria, la escena del comedor por ejemplo, o la del exorcismo final, son realmente épicas y consiguen ponerte los pelos de punta en varias ocasiones.

THE HAPINESS OF THE KATAKURIS (2001) Takashi Miike

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El año pasado fue el invitado de honor en Sitges, certámen en el que presentó 2 películas ese año. Para mi, desde que vi Audition, tengo que decir que es uno de mis directores favoritos. Me pillé el libro que sacaron para el Sitges pasado dedicado a su figura y lo deboré en cuestión de días, con unas ganas locas. Lo recomiendo absolutamente para iniciados en la filmografía y las radicales formas de Miike.

Unas de la peculiaridades del libro es que consiste en el análisis de la obra del cineasta japonés desde diferentes puntos de vista, varios autores hacen su propio análisis, pero también desde las diversas filias que pueblan el estruendoso y rico cine de Miike. La cuestión es que prácticamente todos los autores resaltaban La Felicidad de los Katakuris como una de sus cimas creativas más personales e inimitables.

Como muchas otras, es una de esas pelis de Miike que siempre he tenido en la recámara y nunca me decidía a ver, dichos comentarios eran el empuje que me faltaba para ello. La encontré bien barata en Amazon y decidí comprármela. Musical pseudo-fantástico con tintes de drama familiar e incluso influencias del giallo, una maravilla tan única y esplendorosa que de tanto aglutinar géneros cobra vida propia y se convierte en una de las obras más divertidas, radicales y alucinógenas de su creador. No es cine para todos, pero sí es cine para los amantes de Miike. Esto es Miike en su máximo esplendor y en su más pura esencia.

SNOWPIERCER (2014) Bong Joon-Hoo

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Cuarto largo que veo del koreano Bong Joon-Hoo, siendo Crónica de un Asesino en Serie mi favorita, y primera incursión de Bong en la factoría americana en la que ha contado con un muy convincente Chris Evans para el papel protagonista, además de con su adorado Song Kang-Ho, y los ilustres John Hurt y Ed Harris como pesos pesados entre sus filas.

Con unas actuaciones más allá de toda duda, hay que destacar notablemente la de Tilda Wilson en su personaje de Mason. Tanto su maquillaje, como su vestuario y su trabajo, superan con creces al resto sobresaliendo sobremanera en sus escenas. Entre lo de All The Lovers Left Alive y lo de Snowpiercer, la Wilson va camino de mi actriz fetiche del año.

De su argumento no desvelaré nada, ya que es lo suyo irlo descubriendo con cada nuevo paso que da su desarrollo, pero su planteamiento es el siguiente. Una vez intentado contrarestar el calentamiento global acabamos ocasionando el apocalipsis helado sobre la faz de la tierra y los únicos supervivientes de la humanidad viven en un tren que realiza la vuelta al mundo sin parar cada año. En el tren el planteamiento es muy muy parecido, calcado, al de la realidad que se vivía fuera, pero a otra escala.

De Bong Joon-Ho lo que diré es que todas sus películas me parecen enormes, tocadas por la magia de un genio, impagables piezas de orfebrería cinematográfica, pero tengo un pero con este hombre, todavía no he comprado ninguno de los filnales de las cuatro películas suyas que he visto, ninguno.

GRAND PIANO (2013) Eugenio Mira

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Una de las grandes protagonistas del pasado Sitges a la que, sin demasiadas ganas, le he decido dar el obligado visionado esta noche. No sé si es porqué no esperaba mucho de ella, pero me ha parecido más que correcta, sin ser nada del otro mundo.

Producida por Rodrigo Cortés, Grand Piano tiene una evidente relación con el cine del maestro del suspense que pesa sobre toda la ejecución de Eugenio y además el guión podría estar perfectamente enmarcado en cualquiera de las historias del famoso director de Psicosis. Tanto es así que la película pocas dudas deja de sus influencias restándole bastantes puntos a la originalidad y conviertiéndola más en un homenaje que en un ejercicio personal.

Pero aún con todos los ingredientes del cine de Hitchcock, la película no le llega ni a la suela de los zapatos a las de el maestro, no por ello se hace menos entretenida, que lo es, y mucho. Otra de las fallas que le veo es la elección de los actores, ninguno de ellos demasiado creibles. Llámalo thriller, llámalo suspense, pero nada más allá que para pasar el rato si te gusta el género, a Elijah no me lo creo ni en el cartel.

HERE COMES THE DEVIL (2012)

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Película mejicana que está dando mucho que hablar, tanto para bien como mal, y que he decidido ver, finalmente, gracias a ese boca a boca con el que va creciendo poco a poco. Como dijo Herschel Gordon Lewis, la mala publicidad es tan válida como la buena, o incluso más. Cuando se habla tanto de una película, por algo será.

Si la visionamos como una película de la que esperamos sacar un producto a la altura del cine de terror actual, por poner dos ejemplos claros tenemos Insidious o el remake de Posesión Infernal, nos vamos a dar bien de bruces con ella. Pero si no tenemos ese tipo de aspiraciones al verla, nos encontramos con un ejercicio bastante parecido a lo que nos entregó Robert Rodriguez en su debut con El Mariachi.

Una película que, sin medios de ningún tipo, actores contados y muy básicos, 4 únicas localizaciones, la casa, el cerro, la puerta del colegio y el refugio rural de Lucio, y una dirección que roza lo mediocre, consigue introducirte en la historia de los niños y el matrimonio de manera efectiva e incluso ansiolítica gracias al ritmo de un guión muy por encima de lo esperado. No voy a descubrir nada de ella ya que vale la pena sobradamente hacerlo por uno mismo tan y como va marcando su director.

Referencias incontables al cine de la década de los 70, la película está tan bien conseguida en ese sentido que incluso podría parecer que hubiera estado rodada entonces, además posee un alo de misterio y sordidez ambiental peculiar y único que la hace muy especial. Una muy pequeña joya a descubrir.

Por supuesto que la peli no es perfecta ni de lejos, ni lo pretende ni lo puede ser por la obvia falta de medios, pero con lo poco que tiene, hace las mil maravillas en compración con cualquier blockbuster de una major, y eso es muy digno de elogio.

AFFLICTED (2013) Derek Lee, Cliff Prowse

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Curioso ejercicio de found-footage que revisa por enésima vez las infecciones vampíricas a través de la historia de dos mejores amigos que deciden recorrer el mundo mientras lo van filmando y poniéndolo on-line en directo en un blog. La cosa se complica cuando uno de ellos es mordido durante una noche de pasión y su modo de vida se va viendo afectado a través de la infección.

Lo más interesante de todo es que la película se aguanta muy bien de princpio a fin gracias al ritmo que le imprime la relación entre los dos amigos y los sucesivos cambios y pruebas sobre si mismo, y en los demás, que va haciendo Derek con sus nuevas habilidades y su incesante ansia de sangre.

Mención especial a los directores, que también son los escritores del guión, creadores de la historia y actores principales de la película. Un logro que la coloca como poco, en una posición privilegiada entre los muchos found-footage que parecen salir de debajo de las piedras durante los últimos años. Su doble final es de órdago por cierto.

THE LONE SURVIVOR (2013) Peter Berg

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Peter Berg ha pasado de ser un actorcillo de poca monta durante los 90, a uno de los cineastas de acción más sobresalientes de forjados a principios de la década pasada. Con películas tan bien realizadas como Friday Night Lights (2003) o la impecable La Sombra del Reino (2007), ya me dejó absolutamente convencido. Luego vinieron dos pepinos enormes como Hancock (2008) y Battleship (2011).

Esta vez, el polifacético Peter Berg, ha cogido una historia basada en hechos reales para explicarnos, a través de la historia que pudo contar el Único Superviviente de la historia, los problemas y el posterior ataque que sufrió un pequeño destacamente de marines, 4 de ellos, enviados a suelo afgano para asesinar a uno de los cabecillas de los Talibanes.

Siendo una peli sobradamene patriótica y totalmente tintada de ideologia pro-americana, hay que admitir que, si la historia pasó medianamente como explican, quitándole el peso ideológico que acarrea, es de total reconociemiento explicarla ya que guarda una de las sopresas más impresionantes que he visto en una peli de este estilo en años, concretamente desde Rescue Dawn (2006).

THE GORGON (1964) Terence Fisher

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Considerada por muchos la gran obra mestra de Fisher y una de las mayores joyas del cine gótico de la Hammer de la década de los 60, The Gorgon se alza como una de las películas de terror más peculiares de la historia y de la que, por suerte, todavía no le conocemos remake.

Toda la obra de Fisher para la Hammer es aprovechable, pero sobre todos sus trabajos para la factoria inglesa, Dracula, The Gorgon y su impresionante saga de Frankenstein, destacan sobremanera en el enorme grueso de películas que realizó para ellos.

La película nos narra la historia de la Gorgona, una de las dos hermanas de Medusa que, por lo que sea, su espíritu sigue vagando entre las paredes de un castillo que corona un tranquilo pueblo, convirtiendo en piedra a todo aquel que la mira directamente. Terence Fisher se vale de gran Christopher Lee y el infalible Peter Cushing para desgranar la oscura y siniestra historia de Megara, La Gorgona.

WOLF CREEK (2005) / WOLF CREEK 2 (2013) - Greg McLean

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Y continuamos con los dípticos. Después del programa doble con Lady Snowblood, hoy nos vamos a las antípodas de Japón, nunca mejor dicho, en éste caso hasta Australia, para encontrarnos con Greg McLean y su cómico y despiadado psycho-palurdo-killer llamado Mick Taylor, uno de los asesinos más graciosos y, a la vez, odiosos que nos ha dado este subgénero llamado slasher en los últimos años.

Su primera incursión vino con Wolf Creek en la que, utilizando los bastos paisajes australinos, áridos y con poca vegetación, nos presenta el viaje de 3 amigos que se ven atrapados en una espiral de violencia extrema protagonizada por el, en princpio, salvador al que acuden para que les arregle su destartalado vehículo
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Una historia contada una y mil veces y que, por norma, no suele impactar de tantas veces vista, aquí consigue eso y más gracias al sucio red neck encarnado por un estelar John Jarratt. Sino fuera por él, aunque las escenas de violencia son bastante crudas y viciosas, probablemente ni la una ni la otra hubieran tenido mayor trascendencia para mi que “una más”, pero hay que admitr que, aquí, el malo vuelve a molar mucho mucho.

Por ahora sus tres películas, recordemos que Rogue es un pepino muy a destacar como monster movie sobre un cocodrilo, me han convencido sobradamente, espero que continúe por el buen camino.